Sophie Hamacher


Love Song on Liberty Crossing

2017, 11 Minuten, 16:9, Farbe, Stereo

Die Staten-Islands-Fähre wird ein Ort der Kontemplation während der letzten drei Monate meiner Schwangerschaft. Über diese Schwangerschaft und die kommende Mutterschaft reflektierend, wird mein Pendeln durch die New York Bay eine persönliche Topographie eines Dazwischen: Zwischen zwei Kontinenten, zwei Sprachen, und zwei Seinszuständen – Individuum und Mutter. Love Song on Liberty Crossing ist ein Brief an mein ungeborenes Kind, der mein eigenes Filmmaterial mit Archivmaterial und gefundenem Sound verwebt.


Night Bus

Ein Film von Sophie Hamacher, Sarah Stein Kerr und Tessa Rex

2015, 13 Minuten, 16:9, Farbe, Stereo

Eine lyrische Zusammenstellung von Klängen und Bildern portraitiert die Erfahrungen von Arbeitern, die New York City in einem Nachbus durchqueren. Während ihrer nächtlichen Reise sind die Konzepte in Jonathan Crarys 24/7, der Spätkapitalismus und die Enden des Schlafes, ausgestattet mit der Unmittelbarkeit von Sinneseindrücken, als Reflektionen, die über dunkle Fenster rutschen, Münzen, die in die Ladenkasse strömen, klagende Druckluftbremsen, quietschende Scharniere, das tiefe Summen der Motoren, verschmelzend mit Erscheinungen, die sich aus der tiefschwarzen Dunkelheit der Stadt abzeichnen.

Nur als diffuse Spiegelungen durch die verwitterten Fenster wahrzunehmen reflektieren die Charaktere, mit Stimmen schwer von Müdigkeit, über die Arbeit, die vor oder hinter ihnen liegt. Diese mäandernden Narrative von Einsamkeit und Schlaflosigkeit geben der gelebten Erfahrung der 24-Stunden-Wirtschaft eine Stimme.


Debt Tide

2013, 7 Minuten, 16:9, Super8 übertragen auf HD, Farbe, Stereo

Vier junge Frauen kundschaften eine Küstenlandschaft aus. Ihre sorglosen Wanderungen werden plötzlich von Radiostimmen unterbrochen, die die Gegebenheiten über den Finanzcrash wiederholen. Dieser Kurzfilm, als eine Feier von Jugend und Freundschaft, ist auch eine bruchstückhafte Meditation über Verschuldung und eine verspielte Betrachtung über unschuldige Rebellion.

Der Soundtrack beinhaltet Schnipsel von Radiosendungen, atmosphärische Aufnamen und Ausschnitte einer Lesung von Jospef Conrads Karain: A Memory.



Africa Shafted – Under one roof


 Bild: Africa Shafted – Under one roof, Ingrid Martens, 2011

Africa Shafted – Under one roof

Südafrika 2011, 54 min, OmeU, Dokumentarfilm
Regie/Produktion/Kamera/Schnitt: Ingrid Martens

Ingrid Martens, Master in Kultur und Medienwissenschaften, Abschlussarbeit über die Anfänge des regionalen Fernsehens in Südafrika. Aus ihrer Zusammenarbeit mit vielen Journalisten während dieser Forschung folgt die Teilnahme am Professional Programme for Journalists in Atlanta. Im Anschluss Produktionsleiterin des ersten südafrikanischen Büros des bekannten Produktionshauses Camarapix in Kenia. Ingrid Martens produzierte und assistierte bei der Produktion von Nachrichten und Filmen in Ländern wie Kenia, Simbabwe, Liberia, Guinea, Ruanda, Mozambique und Angola, für Sendungen der CNN, BBC, SABC und e-TV. Sie arbeitet für die South African Broadcasting Corporation, Multimesh, Can TV, Al Jazeera English. Sie produzierte außerdem Werbevideos für die Planned Parenthood Federation und die United Nations University for Peace.

Als Journalistin und Filmemacherin erhielt sie den CNN African Journalist Award für ihre Geschichte über die Tests von Jungfräulichkeit, die von bestimmten afrikanischen Gemeinschaften als Mittel im Kampf gegen HIV angesehen werden. Ihr Dokumentarfilm „Africa Shafted: under one rood“ wird zu vielen Festivals und Vorführungen in Kunstzusammenhängen eingeladen, da er Debatten über die afrikanische Identität stimuliert.


Videoprogramm April - Juni


Bild: Overland 2016 -18fps- screenshot_16, James Edmonds

Inside/outside: constructs and the space within
A selection of films by James Edmonds

In most of my films there is a relation to architecture, in a broad and multifaceted sense. This has to do with the way the camera selects and deals with a direct subjective experience of formal space, interiors in particular,
but also how structures are seen from the outside. Are they part of a landscape or part of a fiction? Do we inhabit these spaces or do they simply compartmentalise memory?
There are various ways inwhich I have attempted to articulate my feelings about experience in everyday life, in relation to memory, through film’s uncanny ability to render durational existence as form, to be able to
construct something physical in a medium that is also itself a direct experience of time’s fleeting presence, an exploration of the tensions inherent in capturing a space. (J.E)
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After Hours, 2005, super-8 transferred to SD, 07’18”, colour, sound

“In this work an office building is almost like a moving film: the lights from the windows shine in the night as if they were film perforations sliding. Handheld camera, panoramas, still lives and improvised rhythms.
Night and day. Space is not just something we simply inhabit. A deserted building is like a film: it has a history that is revealed by the play of light and shadow on the various elements that compose this space.” (TONID’ANGELA)

Fleeting Landscape, 2006/2007/in progress, super 8 in 3 parts, variable durations, colour, silent

An imaginary filmic landscape that uses fragments of the real world seen in flight, as the camera moves almost continuously and rapidly through various passages of transit. Certain structures recur in rapid succession: towers and masts, industrial or institutional buildings and equipment, significant landmarks that seem to fade into one another like an unknown omnipresent force or infrastructure.

Fragments/Structures, 2007/2015, super8 (12fps), colour, soundtrack

Brief vignettes of urban scenery, colourful rhythmic glimpses of structural detail from a coastal town. The materials and detritus, people and architecture, fragments of daily life, are collected through the ritual of
single-frame shooting, forming patterns directly on the filmstrip as they are discovered, just as pebbles are collected on a walk across a beach.

Inside Outside, 2008/2015, 6 min, super8, colour, soundtrack

A fictional architecture of interiors and exteriors constructed through intuitive observations with the lens. The juxtaposition of the two spaces act as both metaphor and experiential resonance for the inner and outer worlds of the self, quietly documenting a life between two places.
“A constellation of internal and external forms, in a continuous return, moving from closed to open form, from one film to another.” (TONI D’ANGELA)

OVERLAND, 2016, super 8, 22min, colour and black+white, soundtrack

A fragment of memory is briefly evoked. The memory of travelling as a child. Born into the universe, a flow of images, constantly shifting chromatic modes. The substances of the earth and it’s elements circulate and accumulate in material fluctuation. The flora and fauna give way to the human. The glimpses of lives as portrait – the concrete, the societal, the ritual of the everyday. This moment again gives rise to other realities. Signs, symbols, silence and stillness animated through the uncertainty of the image as guiding force. Light is shed in silent intervals of black, traces of something long ago. Architectural follies appear as history.

A Return, 2018, 16mm, 6min, colour, sound

“James Edmonds’s intricately constructed 16mm montage film brings two disparate settings—Berlin and a village in the South of England—into the same cinematic headspace. Locating likenesses between soft light and overcast coasts, the comfort of sun-dappled interiors and the warmth of a tree-lined field, Edmonds both summons natural juxtapositions and creates unexpected harmony through deft superimpositions.” (NYFF)
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James Edmonds is a filmaker and painter from England living in Berlin. His practice is driven by a personal poetics in which the nature of recorded human gesture, articulated through the material reality of a medium, offers a tangible yet paradoxical analogue for what is lucid and fleeting – our personal experience of
existence as form, our innermost sense of being. Films, painted gestures and immersive musical works are
occasionally combined in space with various other detritus to explore overlapping subjectivities.
He has presented work at film festivals such as TIFF Toronto, NYFF New York, L’Âge d’Or Brussels, Process Riga and Fronteira Brasil, and at events and spaces such as 3 137 Athens, Cinema Parenthèse Brussels, Nocturnal Reflections Milan, Auslands-Filme, and Another Vacant Space Berlin. He recently contributed to a book on filmaker Jeannette Muñoz – The Landscape As a Sea (Revista Lumiere 2017) and since 2015 organises a film series in Berlin called Light Movement.
For more information see jamesedmonds.org


Videoprogramm zu ALLES II


Bild: Uwe Jonas

Videoprogramm zu ALLES II


rage de passage“


6:40 min, 2012

Hintergrund der Arbeit ist die Entwicklung der westlichen Demokratien hin zu einer Konsenspolitik der Mitte, ohne wirkliche Konfrontation. Wir teilen die Meinung von Simon Critchley,  dass Zorn und Empörung grundsätzlich die Chance bieten, den Raum für etwas Neues zu öffnen, um dann engagiert für eine politische Mehrheit zu kämpfen.

Gründe gibt es derzeit viele, …das ungerechte Finanzsystem, die Verdrängung und Ausgrenzung armer Bevölkerungsschichten, die ungerechte Gesellschaftsordnung…

„Das Kernstück der Politik bildet meiner Meinung nach die anarchistische Praxis des demokratischen Dissens, artikuliert im Umfeld einer ethischen Forderung, die in einer Situation herrschender Ungerechtigkeit erhoben wird und Zorn hervorruft, in meinen Augen die erste politische Empfindung“ (Simon Critchley, Unendlich fordernd. Ethik der Verpflichtung, Politik des Widerstands. Zürich – Berlin 2008, S. 111.)

Ort der Auseinandersetzung ist ein sich in ständigem Umbau und unter zunehmender Kontrolle befindender repräsentativer innerstädtische Raum. Dieser Umbau wird geprägt durch massiven Einsatz von Glasfassaden.

Gläserne Fassaden suggerieren, alles sei transparent, durchsichtig, offen, kontrollier – und einsehbar. Der einsehbare Arbeitsplatz wird zu einer Bühne oder einem Dauerwerbespot. Ausgeblendet bleiben dabei die ausbeuterische globale Arbeitsteilung und deren Arbeitsbedingungen in Entwicklungsländern oder Arbeitskämpfe. Die Blickführung erlaubt einen Einschluss des Blicks bei gleichzeitigem Ausschluss der Körper. In dieser visuell durchlässigen aber dennoch räumlich trennenden Architektur darf nur der ästhetische Blick zirkulieren, der körperliche Zugang bleibt verwehrt. Uns interessiert besonders diese Gleichzeitigkeit von Ein- und Ausschluss, dass hier Sichtbarmachung als Ausblendung funktioniert, welche Realitäten dabei auf der Strecke bleiben, und wie diese Grenze körperlich erlebbar gemacht werden kann.

dans la tėte de l’artiste“

Berthold Bock

15 min, 2013

Die Idee zu diesem Projekt entstand als Essenz eines Stipendienaufenthaltes in Budapest.

Die melancholische Stimmung, die diese Stadt in den letzten Tagen des Herbstes bestimmte, bewirkte eine intensive Beschäftigung mit der Nacht. Mit den märchenhaften, den unheimlichen Stunden des Mondes.

Die Entwicklung einer weißen Leinwand in das Dunkle hinein faszinierte so sehr, dass ich damit begann diesen Prozess bei einigen meiner Bilder filmisch zu dokumentieren. Hierbei entstand die Idee und das Buch zu diesem Malerei-Filmprojekt: der Versuch einer filmischen Übersetzung zur Entstehung eines Bildes. Anders als bei dem Film von George Clouzot über die Malerei von Picasso, die auf eindrucksvolle Weise das Entstehen von Malerei dokumentiert, begann mich der innere Dialog des Künstlers mit sich selbst zu faszinieren und die absoluten Unwägbarkeiten, bis ein Gemälde das Licht der Welt erblickt. Eine fiktive, traumhafte, athmosphärische Darstellung des berühmten künstlerischen Flows.

Der Film zeigt einen Maler in seinem Atelier, der gerade eine neue weiße Leinwand grundiert und nach deren Fertigstellung in sich geht, um noch einmal zu überlegen, welches Motiv er genau wählen und in welchen Rhythmen er den Malprozess gestalten wird. Der Maler beginnt zu zweifeln, wird die Augen für eine Weile schließen, wird einschlafen. Und wir begeben uns in seine kreativen Traumwelten, bis wir begreifen, über welche surreale Umwege ein gemaltes Bild entsteht und mit welchen inneren Auseinandersetzungen dieser Prozess verbunden ist.


Andreas Drewer

4:06 min, 2016

Was ist menschlich, was ist natürlich? In dem ca. 4-minütigen Video (ohne Ton) geht es auf der dokumentarischen Ebene um das Eindringen in Räume, die zuvor anders definiert schienen. Jeder Fortschritt ist eine Form der Eroberung und Verdrängung*, insofern es keine ungenutzten Räume gibt, sondern immer nur Räume, die von bestimmten Spezies oder Ideen bisher nicht erschlossen wurden.
Das ursprünglich dokumentarische Material wird durch digitale Bearbeitung fiktionalisiert. Die Art und Weise, wie erzählt wird, spiegelt nicht nur die Beobachtung, sie spiegelt auch unseren Umgang mit analogen und digitalen Begrenzungen des Raumes als Lebens-, Bild- und Deutungsraum.

*Morsche oder kranke Bäume sind ideale Nistmöglichkeiten für Spechte, sie werden aber aus Sicherheitsgründen auf von Menschen genutzten Flächen gefällt. So sind die Spechte gezwungen, sich neue Räume zu erschließen. Wärmegedämmte Fassaden klingen für den Specht wie morsche Bäume und lassen sich entsprechend bearbeiten. Spechte hacken sich jedes Jahr eine neue Nisthöhle, die ungenutzten Behausungen werden z. B. von Staren bezogen.

Darling show me where the cedars grow”

Dana Engfer

4:25 min, 2018

Eine zehntägige Reise durch den Libanon im Jahr 2017 ist Ausgangspunkt für Dana Engfers Videoarbeit “Darling show me where the cedars grow”. Fragmentarisch hat sie Videoaufnahmen ihres Aufenthalts zu einer komplexen Videocollage zusammengefügt. Engfer ist auf ihrer Spurensicherung der Frage nachgegangen wie man persönliche Erinnerungen festhalten und in eine vielschichtige Lesbarkeit transformieren kann.

Der Musiker Hanno Stecher (Kalpour) hat dazu Sounds entwickelt.

Was tun?“

Katrin Glanz

24:02 min, 2018

Von April 2017 bis Januar 2018 führte Katrin Glanz spontane Interviews mit Personen aus unterschiedlichen Berufsfeldern zu der Frage. „Was würden Sie mir als bildende Künstlerin in der heutigen Zeit raten, zu tun?“

Die Antworten nahm sie mit der Handykamera auf.


Heike Hamann

16 min, 2003 – 2015

Mich interessierten die akustischen und visuellen Überlappungen paralleler Welten. Menschen, die durch den Wohnort verbunden sind, durch dünne Wände und nahe Fenstereinblicke, aber ansonsten keine sozialen Kontakte pflegen. Man lebt anonym nebeneinander, hat aber sehr intime Eindrücke von dem Leben des Anderen. Die Phantasien und Interpretationen, die zu dem Wahrgenommenen entstehen, führen zu extremen Charakterprofilen, die uns selbst spiegeln. Sprecher: D. Kuwerts, D. Albrecht, Frau Rohde, I. Forst, T. Abel, H. Hamann

ass peeping“

Anna Jermolaewa

4:14 min, 2003

Der Catwalk, den Anna Jermolaewa lustvoll und ironisch inszeniert, ist das alltäglich-banale Treiben auf der größten Shoppingmeile Wiens, der Mariahilfer Straße. In voyeuristischer Manier fokussiert Jermolaewa auf den Teil des Körpers, der bei Frauen und Männern gleichermaßen einem sexualisierten Blick unterworfen ist: das Hinterteil. Anders als beim heimlichen nächtlichen Vergnügen der Peepshows hinter verschlossenen Türen richtet die Künstlerin die Kamera am helllichten Tag direkt und unverstellt auf dicke, dünne, lange, breite, knackige und wabblige Kehrseiten von Passanten in ihrer bunten Vielfalt und in unterschiedlichem Beinkleid und rückt damit den täglichen Konkurrenzkampf der Körper vor dem Hintergrund sozialer und kultureller Bedingungen ins Blickfeld. (Alexandra Hennig)

Ist mein Brief angekommen?“

Verena Kyselka

4:15 min, 2018

Mein Vater war für mehr als vier Jahre inhaftiert, bis ihn Westdeutschland im Jahre 1981 freikaufte. Ich schrieb ihm täglich einen Brief in das Gefängnis. Er wurde mein enger Vertrauter, dem ich alles erzählte. Dabei war mir gleichgültig, dass die Briefe gelesen und analysiert wurden bevor er sie bekam. Während des letzten Besuchs gab er mir die Briefe zurück, die ich ihm in der gesamten Zeit geschrieben hatte…


MAFUTU & JO NORMAL (Max Sudhues & Johanna Thompson)

4:36 min, 2018

Lied und Video handeln von einer Ewigkeit aus Nudeln, aus der es kein Entkommen gibt. In all ihren Varianten, Formen und Aggregatszuständen ist sie doch immer noch Nudel. Die Nudel, die uns mit sich hinabzieht ins Vergessen, wenn sie im brodelnden Salzwasser-Meer versinkt. Dieses Leben ist ein köstliches und schreckliches Los.

Manipulating Currency“

Scott Clifford Evans

14 min, 2016

Changing the point of perspective on banknote faces makes them visible again, pointing out how they promote a certain cultural identity and economic agenda. If one “manipulates” this currency, icons from old regimes and ideologies–—a frowning Saddam Hussein, a grinning Mao Zedong–—comically expose indoctrination via banknote.

Landnahme (L’ursupation)“

Ute Weiss-Leder

6:06 min, 2014

Das Video ist 2014 als Reaktion auf die Gedenkfeiern zum 100jährigen Beginn des Ersten Weltkriegs 1914 und vor der großen Flüchtlingswelle 2015 entstanden.

Vor „Europas Haustür“ entbrennen mehr und mehr Kriege, tausende Menschen werden getötet, zur Flucht gezwungen, Familien werden zerrissen und traumatisiert. Und wieder werden wir durch tägliche Bilder und Berichte in unserer Haltung gegenüber kriegerischer Auseinandersetzungen manipuliert.

„Wir“ und „sie“, „Good Guys and Bad Guys“ ist die mediale „Ausflaggung von Freund und Feind“, die der österreichische Schriftsteller und Sprachkritiker Karl Kraus schon zu Beginn des Ersten Weltkriegs als „Einfluss und Schuld “ der Medien beschrieben hatte. So werden Ereignisse des Krieges nach Kraus „sichtbar oder unsichtbar, fühlbar oder unfühlbar“ gemacht. Wir sind einer

täglichen Propaganda, Ideologisierung und Parteinahme ausgesetzt. Als Künstler, die wir mit Bildern oder Sprache arbeiten, können wir versuchen, vorgegebene Perspektiven zu verschieben gegen die „Normalisierung des Krieges“, gegen die Bilder von „Freund und Feind“.

Wir sollten den Versuch unternehmen, Bilder und Berichte von unterschiedlichen Punkten aus neu zu lesen, zu fragmentieren, um zu irritieren oder Bilder aus einem unvorhergesehen Winkel neu zu betrachten.



The Weather Underground


The Weather Underground – USA 2002, 92 Minuten, Regie: Sam Green und Bill Siegel

In den 1960er und 1970er Jahren war die Polarisierung der politischen Situation in den USA akut mit dem Vietnamkrieg und dem Kampf um die Bürgerrechte verbunden. Angesichts der scheinbar wirkungslosen Methoden des friedlichen Protests und Widerstands bildeten sich innerhalb der Protestbewegung militante Gruppen, unter anderem der Weather Underground. Der Film beleuchtet Vorgeschichte und Aktivitäten des Weather Underground. Green und Siegel lassen Aktivisten und Aktivistinnen von damals sprechen und zeigen die vom FBI angewandten illegalen Methoden in der Bekämpfung der Revolte. „The Weather Underground“ wurde 2004 für den Oscar nominiert und ist das erst zweite filmische Dokument zur US-amerikanischen Stadtguerilla.

Die Weathermen (Weather Underground Organisation) hatten die Ehre und das Vergngen, Dr. Timothy Leary behilflich zu sein, aus dem POW-Lager in San Luis Obispo, Kalifornien, auszubrechen. Er war ein politischer Gefangener, eingesperrt fr die Arbeit, die er getan hat, die uns allen hilft, eine neue Kultur in dieser Wste zu erschaffen, in die dieses Land von Demokraten, Republikanern und widerlichen Menschen verwandelt wurde. LSD und Gras wie auch die Kräuter, der Kaktus und die Pilze der amerikanischen Indianer und der unzähligen Zivilisationen, die auf dieser Erde existiert haben, werden uns helfen, eine Zukunft aufzubauen, die es uns ermöglicht in Frieden zu leben. Jetzt sind wir im Krieg. […] Unsere Organisation verpflichtet sich, die Kriegsgefangenen zu befreien. Wir sind gesetzlos, wir sind frei.“ Bernadine Dohrn, 15. September 1970, Weatherman Underground: Kommunique Nr. 4


Volker Sattel: LA CUPOLA


Bilder: Volker Sattel


Ein Film von Volker Sattel

LA CUPOLA beginnt und endet mit Bildern der roten Porphyr-Klippen an der Costa Paradiso,

Sardinien. Formen des Werdens, non-finito, Steinfinger und -hände, die ergriffen werden wollen. Wir alle sind Bleigiesser, im Geiste – müssen die Welt lesen, begreifen; in der Deutung zeigen wir uns. Vielleicht sind die Skulpturen im Stein schon enthalten oder die Zukunft wartet im Berg, wie Björk einmal gesungen hat.

Als Entdecker eines alten und doch unbekannten Morgen müssen sich auch der Architekt Dante Bini und seine Auftraggeber Michelangelo Antonioni und Monica Vitti gefühlt haben, als sie hier Ende der 60er Jahre ein Ferienhaus bauten. Die dünne Betonkuppel, konstruktiv gesehen eine Blase, in die biomorph Fenster, Türen, ein Steg als Zugang geschnitten sind – wie in eine Mohnkapsel geschnitzt – der stützenfreie, offene Raum, in dem sogar ein Garten Platz hat, das Super-Cinemascope-Fenster mit dem Blick auf die rote Marslandschaft… erzählen von dem Versuch, neues Sehen und neues Leben zu verschränken.

Doch die raue Schale bröckelt, die Kuppel der Freiheit ist in die Jahre gekommen. Im Off des Films, nur 160 km weiter südlich, in Oristano, gibt es formverwandte, und doch ganz entgegengesetzte Bauten aus dem 2. Weltkrieg, Massivbeton-Bunker aus den Jahren 42/43, wie von Paul Virilio in seiner Bunker Archäologie beschrieben. Der Fußabdruck der friedlichen Utopien – Antonioni hat vor Ort unter anderem das Drehbuch zu ZABRISKIE POINT geschrieben – ist leichter, die Seeluft beeilt sich, das Haus abzutragen. Und das ist, bei allem Bedauern über das Verschwinden dieses Denkmals, tröstlich. (Christoph Hochhäusler)



Portrait eines Hauses ohne tragende Wände. Eine kühne Kuppel aus Beton, ein Open Space – gelegen inmitten bizarrer Felsformationen einer schroffen Küste aus rötlichem Gestein. Das Haus gehörte der Schauspielerin Monica Vitti und dem Regisseur Michelangelo Antonioni. Die Leere der »Cupola« und die Verlassenheit des Ortes werden zum Ausgangspunkt für Spekulationen – hier hat Antonioni unter anderem das Drehbuch zu »Zabriskie Point« geschrieben. Scheinbar zufällig geraten Figuren ins Bild und betreten die Kuppel, über dessen Form noch heute die Utopie eines alternativen Wohn- und Lebenskonzept schwebt.

D 2016, 40min, Farbe, HD

Mit Minze Gaus, Francesca Bertin, Giuseppina Isetta, Stephan Geene und Severin Dold

Originalversion: Italienisch/Deutsch mit englischen oder deutschen Untertiteln

Vorführformat: 1: 2,39 / DCP, 5.1 digital



Buch, Regie, Kamera: Volker Sattel — Steadycam/2.Kamera: Thilo Schmidt —Ton: Filipp Forberg — Recherche/Assistenz: Francesca Bertin — Montage: Stefanie Gaus, Volker Sattel — Tongestaltung und Komposition: Tim Elzer — Grading: Till Beckmann — Mischung: Jochen Jezussek — Produktion: Caroline Kirberg — Übersetzung: Henrieke Markert — Produzent: Volker Sattel


Bio/Filmographie Volker Sattel:

Geboren 1970 in Speyer. 1993–99 Regie- und Kamerastudium an der Filmakademie Baden-Württemberg. Sattel lebt in Berlin und agiert als Autor, Regisseur und Kameramann in unterschiedlichen filmischen Formen und Genres. Sattels Arbeiten wurden mehrfach ausgezeichnet, sein Kinofilm „Unter Kontrolle – Eine Archäologie der Atomkraft“ von 2011 u.a. mit den deutschen Schnittpreis der VG Bild-Kunst und dem Gerd-Ruge-Stipendium und sein aktuelles Filmprojekt „La Cupola“ mit einem Projektstipendium der Stiftung Kunstfonds. 2013 war er mit Stefanie Gaus Stipendiat der Villa Kamogawa des Goethe-Instituts in Kyoto, Japan und realisierten dort zusammen den Film „Beyond Metabolism“.


Lilli Kuschel

19. Juni - 22 August 2018


SONNENALLEE | Deutschland 2010 | 37 min

Lilli Kuschels Bilder städtischer Ensembles und gezeichneter Landschaften, von Verkehrsanlagen, menschlichen Konstellationen und kommunikativen Akten sprechen eine eigenwillig genaue Sprache. Das Entrückte, wie auch das Verrückte der Normalität werden in der Komposition der Dinge und Personen auf ihren Bildflächen sofort sichtbar. Kaum ein Wort wird gesagt, aber der gestaltende Blick hat begriffen, erzählt ohne Worte.

Sonnenallee – Die Kamera fährt eine Straße in Berlin-Neukölln ab und richtet den Blick auf Fassaden, Läden und Schaufenster. Manchmal hält sie inne, der Filmschnitt durchsticht die Fassaden, und wir befinden uns im Inneren der Häuser: in einem arabischen Reisebüro, einer Schneiderei, einem  Nagelstudio, einem Restaurant, einer Arztpraxis, einem Kosmetiksalon, einem Friseurgeschäft und einem Hundesalon. Was dort an Kultur zu sehen ist, ist mehr als sensationell.


Frederik Foert Videos


The Heart of Darkness • Video HD, 12 min, China 2017

Der Kurzfilm entstand von Mai bis Oktober 2017 in verschiedenen Parks in den Städten Guangzhou und Peking sowie in Pekings Shopping Mall „The Place“. Der unterlegte Soundtrack „The End“ von den Doors stellt eine direkte Parallele zum Filmklassiker „Apocalypse Now“ von Francis Ford Coppola her. Die Musik bildet sozusagen das Gerüst für eine Filmcollage aus Alltagsszenen chinesischen Lebens, die sich absurderweise an der Handlung eines der berühmtesten Antikriegsfilme entlanghangelt. Statt Hubschrauberstaffeln wurden hier mit Laiendarstellern Choreografien für Rasenmäher und Kinderspielzeug geschaffen.

Musik: The Doors, The End, Lyrics written by Jim Morrison, 1967

To Live Is To Fly • Video HD, 6.35 min, China 2017

Der ebenfalls mit Musik unterlegte Film zeigt eine Busfahrt vom Terminal 3 des Beijing International Airport zum Flugzeug. Durch einen denkbar einfachen Trick wird der Betrachter in diese an sich alltägliche Szenerie gesogen. Das Bild steht Kopf, eine Baselitz-Perspektive quasi. Bei blauem Himmel und Sonnenschein orientieren wir uns an der Horizontlinie. Der Himmel jedoch erscheint uns hier aus Asphalt immer wieder von typografischen Zeichen strukturiert. Der Boden hingegen wurde uns unter den Füßen weggezogen. Jeder Richtungswechsel läßt uns ein wenig schwindeln, während alle Fahrzeuge wie die Wuppertaler Schwebebahn an uns vorüberziehen.

Musik: Towns Van Zandt, To Live Is To Fly, 1971 / Dexter, Rainbow Flight, 2013

Little Red Riding Hood • Video HD, 3.50 min, China/Italien 2017

Little Red Riding Hood ist der kürzeste der drei gezeigten Filme und erinnert uns damit am ehesten an ein Musikvideo. Untermalt von einer Coverversion des titelgebenden 60er Jahre Klassikers beobachten wir eine Szene in einem Innenhof der Verbotenen Stadt, dem ehemaligen Kaiserpalast in Peking. Bei günstiger Wetterlage ist dies eine beliebte Bühne für Hochzeitsfotografen und ihre Kundschaft. Die chinesische Braut heiratet traditionell in Rot und das Hochzeitsfotoalbum ist ungefähr so wichtig wie das Bankkonto des Bräutigams. Hier inszenieren sich an einem schönen Nachmittag dutzende von Brautpaaren und eine Vielzahl an Fotografen und Assistenten sind darauf bedacht, dass ihnen kein fremdes Brautpaar in die Quere kommt! Schnitt – Szenenwechsel: Venedig, das Traumziel all der eben gesehenen Paare. 5 Uhr morgens, kein Mensch, kein Tourist nur die Abfälle vom Abend vorher. Die Tauben picken die Reste aus den weggeworfenen Pizzakartons… so viel Romantik muss sein!

Musik: Amanda Seyfried: Little Red Riding Hood, 2013

Songwriter: Ronald Blackwell, 1966


ALLES! Videoprogramm


„Public owned city“


0:30 min, 2012


Helmut Dick

4:20 min, 2017

In vielen Religionen und Legenden spielen Vögel als fliegende Überbringer und Vermittler zwischen der unerreichbaren Welt der Götter und den erdgebundenen Menschen eine besondere Rolle. Auch in ON HUMAN ARROGANCE werden Vögel für einen Botengang eingespannt. Heraus kommt eine besondere aber auch zweifelhafte Aktion, in der die Beschränktheit und Unausweichlichkeit unserer anthropozentrischen Wahrheit spürbar wird.

Jumping City Teil 2

Birgit Dunkel

7:41 min, 2017

Hopsen – eine Bewegungsform wird wiederentdeckt, eine Form der Fortbewegung mit Erkenntnisgewinn und potentiellem Suchtfaktor. Die Hamburger Künstlerin Birgit Dunkel hat eine alte Form kindlicher Fortbewegung wiederentdeckt und sie konzeptuell für ihr Performance-Filmprojekt „Jumping City“ eingesetzt.

Beim „Hopsen“ (Jumping) wird die Endorphin-Produktion (sog. Glückshormon) angeregt, was sich positiv auf die Erkenntisfähigkeit auswirkt. Im Sprung verlässt der Körper den Boden und überwindet die Schwerkraft – der Traum vom Fliegen wird für Bruchteile von Sekunden realisiert. Dieser Zustand wird als gesteigertes Glücksempfinden wahrgenommen und erweitert die Kognitions- und Perzeptionsfähigkeit durch eine vermehrte Öffnung der Synapsen. So kann das durch Bücher erworbene Wissen eine kognitive Verbindung mit der sinnlich erlebten Gegenwart und der im Material verkapselten Geschichte des Ortes eingehen, an dem das ‚Jumping‘ erlebt wird. Der springende/hopsende Mensch erlebt die ‚Joy of cognition‘. (Keine esoterische Kunstaktion, sondern ein künstlerisch-wissenschaftlicher Feldversuch!)

Das Filmprojekt ‚Jumping City‘: In 12 europäischen Städten entstehen Bausteine von ca. 5- 6 Minuten Länge. Bisherige Stationen: Stockholm, Oslo, Kopenhagen, Amsterdam, Venedig, Athen und Kassel.


Karin Glanz

7 min, 2013
Das Video entstand 2013 in Berlin-Mitte.

Vive la Solidarité – La Z.A.D. est partout!
Julia Lazarus

5:56 min, 2016
In ihrer künstlerischen, filmischen und kuratorischen Arbeit setzt sich Julia Lazarus mit politischen Architekturen, sozialen Landschaften und den subjektiven Lebenswirklichkeiten auseinander, die durch diese hergestellt werden. In Kooperation mit der türkischen Umweltaktivist*innengruppe Kuzey Ormanları Savunması arbeitet sie derzeit an einem Film, der die Auswirkung der Großbauprojekte auf die nördlich von Istanbul gelegenen Wälder beschreibt. Die kürzlich eröffnete dritte Bosporus-Brücke, der neue Autobahnring und das geplante Luftfahrt-Drehkreuz am Schwarzen Meer sind Teil eines Masterplans der türkischen Regierung für den Großraum Istanbul. Seit 2014 kämpfen die Aktivist*innen von K.O.S gemeinsam mit den Bewohner*innen der betroffenen ländlichen Gebiete gegen die kapitalgetriebene repressive politische Entwicklung, die den gemeinschaftlichen Lebensraum zerstört. Den zunehmenden Schwierigkeiten begegnen sie mit Mut und Humor. Vive la Solidarité – La Z.A.D. est partout! zeigt Aufnahmen einer solidarischen performativen Aktion der Gruppe für die französischen Aktivist*innen der Zone A Défendre, die Widerstand gegen ein ähnlich gigantisches Flughafenprojekt bei Nantes, Frankreich formulieren.

Headonism ˈhiːd(ə)nɪz(ə)m,ˈhɛːd(ə)nɪz(ə)m/ noun

India Roper-Evans

2:37min, 2018


the mind blowing school of thought, that exhilaration, intoxication, stimulation and invigoration are the most important pursuits of humankind, and the only thing that is good for an individual. 

tanz die parallaxe

Olivia W. Seiling

3:25 min, 2015

Ein schleifenförmiger Film über die Humantopologie von Selbstausbeutung, Kulturproduktion, Wirtschaft und Arbeitskraft in einer rastlosen, euphemistischen Gesellschaft. Eine Peep Show über neurotisch expressive Ipsationsmuster in Räumen die Labor, Studio, Geschäft und Zuhause sein können/müssen, sind oder waren.

Seilings Arbeiten bewegen sich auf einer Möbiusschleife zwischen schizoidem Selbstzweck, der Repräsentation von Intuition und Appropriation und dem vermeintlich freien Spiel mit den Dingen zur Spiegelung disparater Welten und Ideen. Gezeichnete Linien, die dem inneren Auge folgten und performanceartige Darbietungen vor einer einsamen Kamera, belegen die verschlungenen Wanderungen zwischen der Perzeption als Subjekt und der Eigenfunktionalisierung zum Objekt.


Seraphina Lenz


Filmpark, 2008, 34 min

Filmpark wurde im Sommer 2008 mit Anwohnern und Besuchern des Carl-Weder-Parks in Berlin-Neukölln gedreht. Verschiedene Kameras lagen bereit um eigene Sequenzen aufzunehmen. Man konnte zum Casting kommen und im Film eine Rolle spielen. Es gab ein Separee für konzentrierte Meinungsäußerungen vor der Kamera und Drehbuchbesprechungen.

Der Film ist mehr als eine Ortsbeschreibung. Er handelt von verborgenen Potenzialen des Parks, von der Möglichkeit ihn zu verwandeln, ihm neue Bedeutung zu geben.

Filmpark ist ein Projekt der Werkstatt für Veränderung.

Regie: Seraphina Lenz

Kamera und Schnitt: Daniel Kunle

Künstlerische Mitarbeit: Michael Bause

Musik: Jan Tilmann Schade

Finanziert durch das Bezirksamt Neukölln FB, Stadtplanung


Die Werkstatt weckt den weißen Riesen, 2011, 5:35 min

Zwischen 2011 und 2014 entwickelte Seraphina Lenz im Auftrag des Bezirksamts Neukölln ein Konzept für die Nutzung des umgebauten Bunkergeländes an der Rungiusstraße. Im Flächennutzungsplan ist er als Standort für Kinder und Jugendliche ausgewiesen. Der Name „weißer Riese“ ist die Erfindung einer Teilnehmerin und geht auf die weiße Zeltarchitektur zurück, die die Fläche beschirmt. Der Film zeigt, wie die Nachbarskinder im ersten Jahr den Ort entdecken und verwandeln.

Regie: Seraphina Lenz

Kamera und Schnitt: Anett Vietzke

Künstlerische Mitarbeit: Michael Bause

Musik: Willy Daum

Finanziert durch das Bezirksamt Neukölln, FB Stadtplanung


Glamourriese, 2014, 3:48 Minuten

Das Video ist die letzte von vier Produktionen, die zwischen 2011 und 2014 auf dem neu gestalteten Bunkergelände an der Neuköllner Rungiusstraße stattfanden. Der Ort erwies sich als ausgeprägter Hybrid zum Beispiel zwischen drinnen und draußen, Werkstatt und Theater, Varieté und Spielplatz. Diese Unbestimmtheit zeigte sich als perfekte Voraussetzung für immer neue Experimente und offene Prozesse, die in konkrete Vorhaben umschlagen: 2014 war das eine Varietéshow und die Produktion eines Musikklips.

Regie: Seraphina Lenz

Kamera und Schnitt: Daniel Kunle

Künstlerische Mitarbeit: Michael Bause

Musik: Westbam

Finanziert durch das Bezirksamt Neukölln, FB Stadtplanung


Anspiel – der Trailer, 2017, 4:16 min

Auf Einladung zum kuratierten Kunstverfahren der IGA recherchierte Seraphina Lenz von 2013 bis 2016 in Marzahn Hellersdorf zu der Frage wie das stadträumliche Großereignis sich für die Anwohner_innen darstellt. 2016 gründete sie das Anspiel-Ensemble mit 16 ortsansässigen Protagonisten. Ein knappes Jahr wurde wöchentlich geprobt und diskutiert. Mit der Schauspielerin und Regisseurin Anja Scheffer und dem Ensemble realisierte die Künstlerin eine Performance, die das städtische Umfeld mit historischen und aktuellen Aspekten in der Gartenausstellung aufführte. Das Ensemble bewegte sich über das Gelände, nahm Raum ein, stand im Weg, bildete Soundduschen und dialogische Chöre. Ein DDR-Museum auf Rollen begleitete das Stück.

Anspiel – der Trailer verweist auf die Performance, die in der Vergangenheit liegt und so nie wieder zu sehen ist.

Idee und Realisierung: Seraphina Lenz

Schauspielarbeit und Dramaturgie: Anja Scheffer

Kamera und Schnitt: Daniel Kunle

Musik: Ekki Maas

Finanziert durch die IGA Berlin 2017