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26. April bis zum 25. Juni 2023

Astrid Busch

world in minds

Früher kam die Welt mit den Schiffen in die Stadt, heute sind sie abgeriegelte Bereiche und gelten nur noch im Geiste als Tore zur Welt. Mit der Ausstellung „world in minds“ versetzt Astrid Busch die Besuchenden in die Großhäfen von vier Städten. Sie nähert sich künstlerisch der Geschichte und Gegenwart der Häfen von Hamburg, Antwerpen in Belgien, Le Havre in Frankreich und Istanbul in der Türkei sowie dem Takt ihres Schiffsverkehrs. Indem sie verschiedene Medien und Zeitebenen verknüpft, entsteht ein dichtes Netz an Bezügen und eine Vielfalt möglicher Lesarten. Sie baut Settings aus Installationen und Objekten, Fotografie und Film, Projektion und Papierarbeiten, mit denen Sie die Orte auf ihre sinnliche Wahrnehmbarkeit und ihre Wirkung auf den Menschen untersucht.

Astrid Busch studierte Freie Kunst an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg und an der Kunsthochschule Berlin Weißensee. Ihre Werke waren unter anderem in Ausstellungen im Maison des Arts Solange-Baudoux in Évreux, Frankreich, im Modern Art Museum in Jerewan, Armenien, im Hetjens-Museum in Düsseldorf, im Museum Kunst der Westküste auf der Insel Föhr, sowie im Kunstpalast Düsseldorf zu sehen.

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Bild: Nándor Angstenberger

7. Februar bis 12. April 2023

Nándor Angstenberger

Weltenbau

“Wenn mich jemand fragt, was ich als bildender Künstler mache, antworte ich: Ich bin ein Weltenbauer!

Aber ich bin auch ein Sammler, ein Falter, ein Schneider oder ein Suchender, ein Finder und ein Archivar.

Meine organisch wachsenden Konstruktionen sind weder Modelle für etwas noch Modelle von etwas. Sie sind Lebensentwürfe, Vorschläge und Anregungen für neue Ideen und Raumkonzepte, aber auch Entwürfe für nicht realisierbare Konstruktionen aus einer Parallelwelt, die wir nur aus der Literatur oder Mythologie kennen.

Die Materialien, die ich für meine Arbeiten verwende, sind meist Fundstücke, Vergessenes, Zurückgelassenes oder Verlorenes. Sie haben Patina, sie haben Lebensspuren in Form von Kratzern, Verfärbungen oder Verformungen, und diese Lebensspuren sind es, die das Material für mich interessant machen. Sie sind meist sehr klein, können aber auch größer sein, unscheinbar, gerne übersehen, aber in ihrer Zusammenstellung offenbaren sie die Magie der Dinge. Das können auch Fundstücke aus der Natur sein, herabgefallene Äste, von Jahreszeiten und Witterung bearbeitet, oder Treibgut, von den Kräften des Wassers neu interpretiert. Ich möchte den Betrachter einladen, die kleinen Dinge des Alltags neu zu entdecken und dabei die Schönheit des Unscheinbaren und leicht zu Übersehenden schätzen zu lernen. Es ist eine Ästhetik des Unperfekten, die sich durch Asymmetrie, Rauheit, Unregelmäßigkeit, Einfachheit und Sparsamkeit auszeichnet und damit Respekt vor der Eigenart der Dinge zeigt.

Ich sammle diese Materialien unermüdlich, ohne an einen Ort gebunden oder auf ein Material fixiert zu sein. Teil meiner Recherche ist es, einen neuen Ort, mein zukünftiges Material- und Ideenarchiv, zu erkunden und dabei erste Eindrücke zu sammeln und zu sortieren.

Gerade ein großes Thema in meiner Arbeit sind meine konzentrischen utopischen und fantastischen Landschaften oder Weltbilder. Sie sind sehr autobiographisch, ein Status quo, ein Ereignis, ein Nachdenken über Systeme, wie man lebt, wie man lebt und wie man nicht lebt. Was um uns herum passiert, Teil dieser Gesellschaft zu sein, Künstler zu sein, Mensch zu sein. Vieles von dem Material, das ich verwende, nehme ich aus der Natur, aber ich gebe auch einiges wieder in den Kreislauf der Natur zurück, wenn ich die Installationen abbaue. Es ist auch eine Spurensuche, auf die ich mich begebe, das Sammeln von Arbeitsmaterial, Erfahrungen und Erlebnissen.

Meine filigranen Objekte entstehen ohne Skizzen oder konkrete Vorarbeiten. Sie werden von der eigenen Vorstellungskraft geleitet. Persönliche Notizen und Erlebnisse finden ohne die übliche bewertende Ordnung Eingang in meine Objekte. Trotz ihrer oft märchenhaften Erscheinung sind meine Arbeiten auch Kommentare zur Krise des Privaten und zum Verlust stabiler Identitäten. In einer globalisierten Welt haben sich Gewissheiten endgültig aufgelöst, absolut alles ist zu Material geworden.” (Nándor Angstenberger, 2022)

Nándor Angstenberger will den Betrachter dazu einladen, die kleinen Dinge des alltäglichen Lebens neu zu entdecken und so die Schönheit des Unauffälligen und leicht zu Übersehenden schätzen zu lernen. Seine Materialien sind meistens Fundstücke: Vergessenes, Verlassenes und Verlorenes oder auch Fundstücke aus der Natur. Sie haben Patina, sie haben Kratzer, Verfärbungen, sind deformiert. Diese Lebensspuren machen das Material für ihn erst interessant und in ihrer Zusammenstellung erschließt er die Magie dieser Dinge. Es ist eine Ästhetik des nicht Perfekten, das sich durch Asymmetrie, Rauheit, Unregelmäßigkeit, Einfachheit und Sparsamkeit auszeichnet, und damit Achtung vor der Eigenheit der Dinge beweist. Angstenberger studierte Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg und bezeichnet sich als ein Weltenbauer und Materialarchivar. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Museum Marta Herford, Ludwig Museum Koblenz, Kunsthalle Krems, Kunstmuseum Ahrenshoop, in der Kunsthalle Emden und Museum Kloster Unser Lieben in Magdeburg, Landesmuseum Stuttgart, im Kunstverein Freiburg, Kunstverein Bellevue-Saal Wiesbaden und im Zeppelin Museum Friedrichshafen gezeigt. Darüberhinaus Bühnenbild Installationen für Neue Musik in der Pariser Philharmonie und für OperaLab im Ackerstadtpalast, Berlin.

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Bild: R.J. Kirsch, Hai

Tierisch

Sonja Alhäuser, Ingmar Bruhn, Kyung-hwa Choi-ahoi, R. J. Kirsch,
Manfred Michl,  Susanne Ring

Eröffnung am Dienstag, 29. November um 19 Uhr

und zeigt, bis zum 25. Januar 2023, mit unterschiedlichen künstlerischen Mitteln Ansichten von Tieren.

 

Sonja Alhäuser zeichnet viele Tiere die als Nahrung eine Rolle spielen und beschreibt etwa den Prozess der Zubereitung. In letzter Zeit nehmen auch Pferde in ihrem Werk einen größeren, nicht kulinarischen, Raum ein.

Ingmar Bruhn konzentriert sich in seiner Malerei auf Wildtiere, die er mit groben Strich in ihrer Unnahbarkeit einfängt.

Kyung-hwa Choi-ahoi erzählt in ihren Zeichnungen Geschichten, die sich mit dem Verhältnis der Menschen zu ihren (Haus-) Tieren beschäftigen.

R. J. Kirsch malt in kräftigen Farben „Tiere in Öl“, deren Motivvorlagen er dem allgemeinen medialen Bilderstrom entnimmt.

Manfred Michl betrachtet in seiner Malerei und Zeichnung das miteinander von Tier und Mensch.

Susanne Ring beschäftigt sich in ihrem skulpturalen Werk auch mit tierischen Formen, die unwirklich erscheinen können aber immer auf etwas Tierisches verweisen.

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Bild: Fennpfuhl, Thomas Bruns, 2022

50 Jahre Utopie

Holger Biermann, Thomas Bruns, Marula Di Como,

Birgit Szepanski, Lukas Troberg

Die Ausstellung 50 Jahre Utopie Eröffnet am 30. August 2022 um 19 Uhr und zeigt, bis zum 23. November 2022, einen Blick mit künstlerischen Mitteln auf das urbanen Gebilde Fennpfuhl.Wie lebt es sich in der gebauten Utopie?

Holger Biermann fängt mit seiner situativen Straßenfotografie das alltägliche Leben in diesem Gebiet ein, er bewegte sich über Wochen im Fennpfuhl um die Motive zu finden.

Thomas Bruns raumhoch plakatierte Architekturfotografien vermitteln die atemberaubende Urbanität des Areals. Er kombiniert sie mit Fotografien der Skulpturen und des Freizeitangebots aus dem Fennpfuhl-Park.

Marula Di Como und Birgit Szepanski beziehen sich in ihren installativen Arbeiten auf historische Aspekte der Hochhaussiedlung.

Marula Di Como verwendet Holzelemente, mit denen sie Entscheidungsmomente der Planung und Entstehung des Viertels aktualisiert.

Birgit Szepanski setzt sich in ihrer textilen Installation mit der Realität der Obdachlosigkeit auseinander, die im Fennpfuhl in der DDR nicht und heute nur teilweise sichtbar ist.

Lukas Troberg macht die funktionale Architektur des Gebietes zum Thema und setzt Lüftungsrohre, verbogene Poller und Schutzbügel als extravagante Gäste der Ausstellung in Szene.

Sie scheren sich sichtlich nicht darum, was andere denken und setzen ihre Exklusivität übermäßig auffällig in Szene. So sehr, dass man den Eindruck bekommen könnte, sie hätten ihr Erscheinungsbild in Gedanken an das Publikum gewählt, von dem sie sich eigentlich abgrenzen wollten…

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Foto: Uwe Jonas, 250 Jahre Humboldt, Humboldt-Forum, September 2019

ALLES IV

Die Ausstellung ALLES IV Eröffnet am 21.Juni 2022 um 19 Uhr und gibt, bis zum 24. August 2022, mit Werken von Fotografie bis Ölmalerei, aber auch Skulpturen und Videos, einen Einblick in das Schaffen der bildenden Künste.

Dem studio im HOCHHAUS ist es immer ein Anliegen, die aktuellen Strömungen in der Bildenen Kunst zu zeigen, um den Bewohner*innen Neu-Hohenschönhausens die Möglichkeit zu bieten, abseits der Hotspots des Kunstbetriebes einen Einblick in die aktuelle Kunstproduktion werfen zu können.

Das studio im HOCHHAUS füllt seine Räume bis unter die Decke mit ALLEM was die teilnehmenden Künster*innen hergeben, und bildet dabei eine Bandbreite des Schaffens ab, die es jede(m/r) Besucher*in ermöglicht, Werke gewahr zu werden die ihr oder ihm gefallen. Auch fordert die Ausstellung von den Besucher*innen Zeit und Geruhsamkeit um durch die Räume zu streifen, zu flanieren, und so immer wieder Neues entdecken zu können.

Mit: Sonja Alhäuser – Michelle Alperin & Joe Neave – Elisabeth Ajtay – Nándor Angstenberger – Martin Assig – bankleer – Heike Kati Barath – Claudia Barcheri – Horst Bartnig – Jürgen Baumann – Michael Bause – Kai-Annett Becker – Matthias Beckmann – Nora Below – Benjamin Berkow – Holger Biermann – Boisseau & Westermeyer – Manuel Bonik – Patrick Borchers – Gunnar Borbe – Kai Bornhöft – Nick Bötticher – David Braithwaite – Thomas Bruns – Ingmar Bruhn – Astrid Busch – Dirk Busch – Alexander Callsen/Boris Jöns – Salomé Chkheidze-Mohs – Herbert De Colle – Marula di Como – Chris Costan – Swen Daemen – Henrike Daum – Ole Debovary – Dellbrügge & de Moll – Helmut Dick – Andreas Drewer – Irena Eden & Stijn Lernout – Manfred Eichhorn – Jürgen Eisenacher – Dana Engfer – Carola Ernst – Sabine Fassl – Christel Fetzer – Frederik Foert – Franziska Frey – Sabine Friesicke – Catherine Gerberon – Ingo Gerken – Katrin Glanz – Christian Grosskopf – Thorsten Goldberg – Carola Göllner – Kerstin Gottschalk – Reinhold Gottwald – Massoud Graf–Hachempour – Kim Dotty Hachmann & Ginny Sykes – Ulrich Hakel – Zandra Harms – Klaus Hartmann – Lisa Haselbek – Michael Hauffen – Tanja Hehn – Tina Isabella Hild – Gerhard Himmer – Annika Hippler – Alekos Hofstetter – Birgit Hölmer – Ralf Homann – Fabian Hub – Irène Hug – Franziska Hünig – Anja Ibsch – Andrea Imwiehe – Verena Issel – Gunilla Jähnichen – Zora Janković – Gabriele Jerke – Uwe Jonas – Jae-Eun Jung – Yuki Jungesblut – Nikos Kalaitzis – Martin Kaltwasser – Mi Jean Kang – Judith Karcheter – Peter Kees – Werner Kernebeck – Annette Kisling – Ulrike & Günther-Jürgen Klein – Andreas Knäbel – Win Knowlton – Andreas Koch – Silke Koch – Susanne Kohler – Eva–Maria Kollischan – Karen Koltermann – Marcel Kopp – Ruppe Koselleck – Andreas Kotulla – Inge Krause – Käthe Kruse – Annette Kuhl – Susanne Kutter – Kim Eun Kyoung – Chantal Labinski – Michael Lapuks – Seraphina Lenz – Pia Linz – Agnes Lörincz – Petra Lottje – Antonia Low – Liz Magno – Enikö Márton – Rei Matsushima – Matthias Mayer – Udo Meinel – Manfred Michl – Hanako Miyamoto – Ulrike Mohr – Mariella Mosler – Leo de Munk – Berit Myrebøe – Christophe Ndabananiye – Silvia Nettekoven – Ursula Neugebauer – Gertrud Neuhaus – Gabriele Obermaier – Lorcan O’Byrne – Mayumi Okabayashi – Juergen O. Olbrich – Jürgen Palmtag – Jürgen Paas – Günther Pedrotti – Roman Pfeffer – Pfelder – Andrea Pichl – Torsten Prothmann – Katja Pudor – Emily Pütter – Maria-Leena Räihälä – Andrea van Reimersdahl – Roland Reiter – Mirja Reuter – Gerda Riechert – Kai Richter – Renèe Ridgway – Matthias Roth – rasso rottenfusser – Robert Rudigier – Andreas Sachsenmaier – Maike Sander – Matthias Schamp – Gisela Schattenburg – Alexandra Schlund – An Seebach – Olivia W. Seiling – Daniel Seiple – Spunk Seipel – Fabian Seiz – Soji Shimizu – Soyoung Shon – Jan-Peter E.R. Sonntag – Elisabeth Sonneck – Christina Speer – Petra Spielhagen – Ute Sroka – Anne Staszkiewicz – Alexander Steig – Christian Stock – Stock‘n‘Wolf – Tommy Støckel – Kamil Sobolewski – ststs – Sven Stuckenschmidt – Betty Stürmer – Max Sudhues – Caro Suerkemper – Lorant Szathmary – Gaby Taplick – Anke Teichel – Thea Timm – Peter Torp – Lukas Troberg – Andrea Übelacker – Anne Ullrich – Timm Ulrichs – Anke Völk – Klaus Walter – Christine Weber – Ute Weiss Leder – Markus Willeke – HS Winkler – René Wirths – Andreas Wolf – Gisela Wrede – Simone Zaugg – Barbara Zenner – Maike Zimmermann – Edgar Zippel – Sandra Zuanovic

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Responsive Curating

Anjana Kothamachu, Antonia Low, Ina Ettlinger, Hans HS Winkler, Harish V Mallappanavar, Rasso Rottenfußer, Vichar B N, Vineesh Amin

Kuratorisches Team: Ralf Homann, Uwe Jonas, Suresh Kumar, Surekha

Die Ausstellung Responsive Cutating Eröffnet am 5. April 2022 um 19 Uhr und gibt, bis zum 15. Juni 2022, einen Einblick in die „Ergebnisse“ des „Responsive Curating“ der indisch/deutschen Ausgabe.

Stellen Sie sich vor, der Ausstellungsraum sei so etwas wie ein Endgerät, zum Beispiel ein Mobiltelefon, und die Ausstellung bestehe aus einem Datenpaket, das sich im Raum downloaded und entpackt: Je nach Größe und Kontext des Ausstellungsraumes verändern sich die Kunstwerke während ihrer Installation. „Responsive Curating“ experimentiert mit der »Ausstellung« als ein »universales Medium«, das an jedem Ort kommunizieren kann. Eine Versuchsanordnung mit überraschenden Ergebnissen, gerade in Hinblick auf die aktuellen Herausforderungen einer Pandemie. Die Künstler*innen setzen angesichts eingeschränkten Kulturlebens nicht auf eine Digitalisierung von Abbildungsstrategien oder auf die Umverpackung in Online-Formate. „Responsive Curating“ im studio im HCOHHAUS verlässt sich ganz auf die Kraft bildender Kunst im physischen Raum und die direkte Erfahrung und vertiefte Auseinandersetzung der Besucher*innen mit den einzelnen Arbeiten. Arbeiten, die sich durchaus mit der neuartigen Herausforderung einer digitalen Kultur, globaler Ökonomie und dem damit verknüpften Spannungsfeld zwischen Identität und Universalismus auseinandersetzen. Mit Blick auf ökologische Fragen waren für die internationale Ausstellung weder Reisen von Künstler*innen, noch Kunsttransporte nötig. Stattdessen sucht das kuratorische Konzept des „Responsive Curating“ formale Prinzipien der instruction-based art der 1960er Jahre wieder auf, folgt jedoch heutigen Anforderungen: Dazu gehören z.B. die Skizzierung der Instruktionen mit Vektorgrößen oder der responsive Entwurf der einzelnen Objekte im Ausstellungsraum. Auf der Grundlage der künstlerischen Instruktionen werden die Arbeiten für jeden Ausstellungsort erneut realisiert und nach Ende der Ausstellung im lokalen Wertstoffkreislauf recycelt. Die Aura des Kunstwerks entsteht bewusst nicht. Das studio im HOCHHAUS ist die dritte Station von „Responsive Curating“ nach der Venkatappa Art Gallery in der südindischen Mega-Metropole Bengaluru 2019 (Exhibition on Flash Drive) und dem Kunstraum München 2020.

Zu sehen sind Arbeiten von Anjana Kothamachu (Bengaluru), Antonia Low (Berlin u. Stuttgart), Ina Ettlinger (München), Hans HS Winkler (Berlin), Harish V Mallappanavar (Haveri), rasso rottenfusser (Riva del Garda und München, Vichar B N (Bengaluru) und Vineesh Amin (Bengaluru). Die Kunstwerke basieren auf den digitalen Instruktionen der Künstler*innen und wurden in München für die Ausstellung eigens hergestellt. Sie befragen u.a. die Veränderung der Zeit durch die Corona-Pandemie, die Funktion von Original und Kopie auf dem globalen Kunstmarkt, die Rollenerwartungen an bzw. Wunsch-Projektionen auf Künstler*innen und die politischen Gestaltungsmöglichkeiten in diversifizierten globalisierten wie postkolonialen Kontexten.

Unterstützt von:

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Bild: Christof Zwiener, Entwurf für ein Land Art Projekt in Schweden

Roman Pfeffer and Christof Zwiener

Die Künstler Roman Pfeffer und Christof Zwiener vermessen die Welt der Dinge im Studio im Hochhaus. Am 16. November 2021, um 19.00 Uhr, eröffnet die Ausstellung und gibt einen Einblick in deren Interventionen und Deformationen. Sie ist bis zum 19. Januar 2022 im studio im HOCHHAUS in der Zingster Straße 25 zu sehen.

In ihren Werken laden beide Künstler Dinge mit Geschichte und Erwartungen auf und befragen die Materialien auf unterschiedliche Art: Pfeffer nutzt eine große Bandbreite künstlerischer Möglichkeiten um Maße und Proportionen von Dingen zu untersuchen und sie in neue Formen zu bringen, wie bei dem umgeformten 8’er-Ruderboot, das als Braintwister in der Ausstellung zu sehen ist. Bei Zwiener spielen die Narrative gefundener Gegenstände und Orte die Hauptrolle. Durch den überwiegenden Einsatz von Readymades, die ortsspezifisch arrangiert und ab und an verfremdet werden, macht Zwiener die Überlagerung von Zeiten sichtbar. Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sind hier unmittelbar mit einem Gegenstand, einem Gebäude oder einem Ort verknüpft.

Roman Pfeffer wurde 1972 in Vöcklabruck in Österreich geboren. Er studierte von 1996 bis 2001 Malerei an der Akademie der bildenden Künste bei Gunter Damisch in Wien und am Kent Institute of Art and Design in Canterbury. Er ist Mitglied des Leitungsteams der Klasse TransArts an der Universität für angewandte Kunst in Wien, wo er auch lebt.

Christof Zwiener, ebenfalls Jahrgang ’72, aus Osnabrück, studierte interdisziplinäre Bildhauerei an der HBK Braunschweig. Er lebt und arbeitet in Berlin als Künstler und Kurator. Er organisiert an unterschiedlichen Orten, häufig in Pförtnerhäusern, temporäre Ausstellungsprojekte.

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Bild: Pia Linz, Zingster Straße 25, 2020

25. August bis 10. November 2021

Matthias Beckmann, Patrick Borchers, Bea Davies, Jorn Ebner, Juliane Laitzsch, Pia Linz, Christoph Peters

aufzeichnen

Zeichnung als Dokumentation

Die von Matthias Beckmann mitkuratierte Ausstellung „aufzeichnen“ gibt einen Einblick in die „zeichnerische Dokumentation“.

Die Ausstellung zeigt an sieben künstlerischen Positionen exemplarisch die Zeichnung als zeitgenössisches künstlerisches Medium der Dokumentation. Herangehensweisen, Formate und Techniken sind so unterschiedlich wie die Sichtweisen der Zeichnerinnen und Zeichner. Manche von ihnen werden den Begriff Dokumentation ablehnen, da er nur einen Teil ihrer Arbeit betrift.

In umfangreichen Zeichnungsfolgen werden Orte akribisch beschrieben. Der Comic lässt Bilder und Texte Geschichten erzählen. Die Spur des Stiftes kann Bewegungen und Handlungen nachspüren. Schwarze Punkte bringen in ihrer Verdichtung die Schönheit japanischer Teeschalen zur Erscheinung. Die Zeichnung ist Textur und beschäftigt sich mit Textur. Territorien werden erwandert, vermessen und aufgezeichnet. Mit geeigneten Liniennetzen kann man Schätze aus den medialen Bilderfluten heben. Und immer gilt, dass Zeichnen wie auch Sehen ein Akt der Interpretation ist. Das absichtslose Sehen, die reine Dokumentation gibt es nicht.

Matthias Beckmann

“Matthias Beckmann zeichnet vor Ort. Er braucht keine andere Vorlage als die gerade anvisierte Situation. Die ergreift er im Sehen, ja, es scheint so, als lege er wie in einer Art skelettierenden Solarisation die offensichtliche Lineatur frei. Der dafür notwendige Röntgenblick scheint angeboren. Mühelos durchdringt er die verwirrenden Ablenkungen des farbigen Hell-Dunkels, zurück bleibt ein netzartiges Konzentrat, das nichts Wichtiges vergisst. Details sind zu erkennen, Vorne und Hinten, Nähe und Ferne schaffen den Raum, Gegenstände, Schattenfugen oder die Maserung des Holzes werden in den sich bietenden Umrissen entsprechend übersetzt. Eine strukturelle Plausibilität hat das Sagen, die immer ein wenig am Rande eines ornamentalen Realismus steht. Trotz der partiell automatisch anmutenden Übertragungsarbeit ist die Fähigkeit vorhanden, zu ignorieren, zu übersehen, was den Blättern immer wieder schöne Freiflächen, bzw. natürliche Gewichtungen beschert. Festgehalten wird nur das Notwendigste. Ohnehin wirken diese Zeichnungen wie im Weiß aufgehängt.” (Reinhard Ermen, Matthias Beckmann, Kunstforum International, Band 231, 2015, Titel: Zeichnen zur Zeit VII, S. 166)

Matthias Beckmann wurde 1965 in Arnsberg geboren und lebt als Zeichner in Berlin. Er hat an den Kunstakademien in Düsseldorf und Stuttgart studiert. Seine streng linearen Werke entstehen ohne fotografische Hilfsmittel oder vorbereitende Skizzen direkt vor dem Motiv. Seit einigen Jahren arbeitet er auch an Zeichentrickfilmen. Seine künstlerische Arbeit wurde u.a. gefördert durch ein Arbeitsstipendium des Kunstfonds Bonn, ein Auslandsstipendium des Landes Nordrhein-Westfalen für Paris, ein Stipendium der Künstlerhäuser Worpswede, das Casa-Baldi-Stipendium in Olevano Romano und einen Arbeitsaufenthalt im Atelier des Landes Oberösterreich im Salzamt Linz. Matthias Beckmanns Werke befinden sich in vielen grafischen Sammlungen, z.B. in Berlin, Bonn, Bremen, Dortmund, Düsseldorf, Duisburg, Oberhausen oder Wuppertal.

Patrick Borchers

“Borchers Zeichnungen sind Bilder fragmentierter Wirklichkeitserfahrung, die sich in einem einfachen, zentralperspektivischen Narrativ nicht mehr vermitteln lässt. Wir stehen vor dem Bild wie in einem japanischen Zen-Garten und sind nicht in der Lage, die Totalität der Komposition, die genaue Anzahl der Steine auf dem Kiesbett zu erfassen, wo auch immer wir stehen, das Gesamtbild ist nicht komplett.” (Aus: „Elefantenbabies und tote Terroristen – zu Patrick Borchers bildanalytischen Hieroglyphen der Gegenwart.“, Jan-Philipp Fruehsorge, S.3, 2017)

Patrick Borchers wurde 1975 geboren, ist Zeichner und Videokünstler. Er lebt und arbeitet in Hagen und Dortmund. Nach einem Kunst- und Sonderpädagogikstudium an der Universität Dortmund besuchte er die Klasse Timm Ulrichs an der Kunstakademie Münster. Seine Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt, beispielsweise 2008 in Kyoto und Osaka, 2011 im OK Offenes Kulturhaus OÖ in Linz, 2014 in zwei Ausstellungen im Museum Folkwang Essen, 2016 im Dortmunder U – Zentrum für Kunst und Kreativität und 2019 im Osthaus Museum Hagen. Neben seiner eigenen künstlerischen Arbeit ist er als künstlerischer Mitarbeiter im Bereich Graphik an der TU Dortmund tätig.

Bea Davies

“Vor Ort zu zeichnen ist mein Weg, um tief in das ‚Hier’ und ‚Jetzt’ zu tauchen, ein Fluchtweg aus unserer subjektiven Blase, ein Zugang zur Realität, die uns umgibt.

Das zeichnerische Festhalten von Bildsequenzen, Bewegungen, Farben und Geräuschen, die sich eben gerade vor meinem Auge abgespielt haben, ist von einer ungeschönten Unmittelbarkeit, die in anderen Medien kaum zu finden ist.

Für meine Reportagen verbinde ich das Zeichnen vor Ort mit der für den Comic typischen sequentiellen Erzählweise mit dem Ziel, den Lesern die abgebildeten Situationen und Ereignisse möglichst nah zu bringen und ihnen einen persönlichen Zugang zu bieten.”

Beatrice Davies, wurde 1990 in Italien geboren, lebt seit dem Jahr 2012 in Berlin und arbeitet als freie Illustratorin und Comiczeichnerin, unter anderem für die Obdachlosenzeitung Strassen|feger. Gefördert durch ein Stipendium beginnt sie 2010 ihre künstlerische Ausbildung an der School of Visual Arts in New York. Nach Aufenthalten in Kolumbien und Italien zieht sie mit Mann und Kind nach Berlin. Im Jahr 2015 fängt sie ein Studium der Visuellen Kommunikation an der weissensee kunsthochschule berlin an. 2016 erhält sie den Förderpreis der Comic Invasion Berlin und das Mart Stam Stipendium. 2018 wird sie von der Studienstiftung des Deutschen Volkes angenommen. Ihre erste Graphic Novel “Der König der Vagabunden”, mit dem sie 2019 unter den Finalisten für den Comicpreis der Berthold Leibinger Stiftung ist, erscheint im gleichen Jahr im avant-verlag. 2020 veröffentlicht der Jaja-Verlag einen Sammelband ihrer autobiografischen Comics unter dem Titel „A Child’s Journey“.

Jorn Ebner

“Der gedankliche Raum von Zeichnung besteht aus Schichten von Materie und Zeit. Transformationen (von Erinnerung). Zeichnung ist in meiner Arbeit analog und digital, auf Papier oder als Klang. Das Triptychon „08.12.1980“entstand 2014, nachdem ich in meinem Online-Klangprojekt „(The Beatles) in Hamburg“ (2011/2012) [http://wwwthedeatlesinhamburg.com/] akustisch die Orte nachzeichnete, an denen sich die Beatles zu Beginn ihrer Karriere in Hamburg nachweislich aufgehalten hatten. Der Tod John Lennons hat einen so dauerhaft starken Nachhall in meinem Leben, dass ich Yoko, John und das Dakota Building, vor dem Lennon erschossen wurde, als Zeichnungen umsetzen wollte”.

Jorn Ebner wurde 1966 in Bremerhaven geboren, lebt in Berlin. Studien: Magister englische Literatur, Geschichte und Kunstgeschichte an der Universität Hamburg (1990-95), BA (Hons) Freie Kunst, Central Saint Martins College of Art and Design, London (1995-98), Corso Superiore di arti visivi – Allan Kaprow, Fondazione Antonio Ratti, Como (1997), AHRC Forschungsstipendium, Kunsthochschule der University of Newcastle upon Tyne (2002-05). Jüngere Projekte: Projektstipendium Kunst + Kommunikation 2020, Kunsthaus Kloster Gravenhorst; AiR Niederösterreich 2019, Krems [AT], Internationale Einzelausstellungen und Beteiligungen: u.a. Kunstverein Bochum; Laura Mars, Berlin; Museo de arte contemporaneo de Bogota [CO]; Vane, Newcastle upon Tyne [UK]. Veröffentlichungen beim Verlag The Green Box, Berlin.

Juliane Laitzsch

Aus der Nähe betrachtet

Die künstlerische Arbeit von Juliane Laitzsch ist motiviert von der Neugierde, Dinge in ihrem Werden und Vergehen zu verstehen. Wie verändern sich Dinge im Laufe der Zeit und wie entstehen die entsprechenden Bilder in unseren Köpfen?

Ausgehend von einer Auseinandersetzung mit historischen Textilien, aktuell handelt es sich um spätantike Textilfragmente aus Ägypten, fragt sie nach der Zeit; nach der Zeit, die sich in das Material der Textilien einschreibt, und nach der Zeit, die in der medialen Vermittlung der Objekte, in Texten und Fotografien, lesbar wird. Die Zeichnungen folgen ihren Beobachtungen, sie reproduzieren die Objekte betreffende Dokumente und sie dokumentieren ihren eigenen Entstehungsprozess. Die Zeichnung dient Juliane Laitzsch als ein Medium der Annäherung und Verlangsamung. Dabei variiert ihre Zeichentechnik von der möglichst präzisen Darstellung bis zur Telefonkritzelei. Ihre Aufmerksamkeit gilt dem Prozess des Zeichnens, seiner Eigendynamik, seinen Rhythmen, Resonanzen und Rückkopplungen.

Juliane Laitzsch wurde 1964 in Nürnberg geboren, sie studierte Bildhauerei in Bremen und an der Hochschule der Künste in Berlin. Sie erhielt Arbeitsstipendien u.a. vom Berliner Senat, vom Land Mecklenburg-Vorpommern, Forschungsstipendien von der Graduiertenschule der UdK Berlin und von der VW-Stiftung. 2019 waren ihre Arbeiten in der Ausstellung „Original Bauhaus“ in der Berlinischen Galerie und 2020 in der Ausstellung „Aus der Nähe betrachtet“ im Kulturhistorischen Museum Magdeburg zu sehen. Aktuell realisiert Juliane Laitzsch eine künstlerische Dissertation an der Kunstuni Linz, betreut von Thomas Macho, und ist Mitglied des Doktoratsprogramms „Epistemologien ästhetischer Praktiken“ in Zürich.

Pia Linz

Die „Ortsbezogenen Zeichnungsprojekte“ beginne ich meist mit der Vermessung des Ortes mit Fußschritten. Anhand der Vermessungszahlen webe ich einen Flächenplan mit freihändig gezogenen Bleistiftlinien, die von einem Koordinatensystem ausgehen, das ich am unteren und rechten Rand der Papierfläche angelegt habe. Mit einem Umhängezeichenbrett arbeite ich nun direkt vor Ort. Zeichnend und schreibend verorte ich meine über lange Zeiträume aus zahllosen Fußgängerperspektiven gemachten Beobachtungen in den Plan und vergleichzeitige sie so in einer Gesamtübersicht.

„Vor uns stehen gezeichnete Miniaturwelten, parallele Wirklichkeiten, gezeugt von Pia Linz. Hier paart sich objektive Niederschrift mit Tacit knowledge, dem impliziten Wissen, das in der Hand steckt und im Zeichenprozess aktiviert wird. Diese Ambivalenz ist das Faszinierende an den „Ortsbezogenen Zeichnungsprojekten“. Sie stehen am Rande des ontologischen Zweifels und bringen die Grundfesten der Bauten zum Wanken. Denn diese Zeichnungen öffnen nicht nur eine triviale Raum-Illusion, sondern streifen jene Grenze, an der sich Reales und Imaginäres berühren. Flächengesetzlichkeiten sind überlistet, Oberfläche und Tiefe vertauscht. In diesem Zeichnen treffen Fiktion und Fantasie mit wissenschaftlicher Forschung und mathematischer Genauigkeit zusammen. Die Grenzen von Sein und Schein, von Innen und Außen, von Nähe und Ferne verschwimmen. Pia Linz’ Zeichnung ist das Dazwischen, sie hält es fest.“ Mechthild Haas, („Pia Linz“, Ausstellungskatalog: „JE MEHR ICH ZEICHNE. ZEICHNUNG ALS WELTENTWURF“, Museum für Gegenwartskunst Siegen, 2010)

Pia Linz wurde1964 in Kronberg i.T.geboren, studierte an der Städelschule in Frankfurt am Main Malerei und Graphik. Mit ihren Arbeiten ist sie international in Ausstellungen und öffentlichen Sammlungen vertreten. Verschiedene Stipendien führten sie u.a. nach Rom (Studienstiftung des Deutschen Volkes, 1989/90), London (Hessische Kulturstiftung, 2005/06) und New York (Berliner Senatskanzlei-Kulturelle Angelegenheiten, 2010/2011). 2015 wurde sie für ihr Werk mit dem HAP-Grieshaber-Preis der VG Bild-Kunst ausgezeichnet. Seit 2016 ist sie Professorin für Zeichnung an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.

Christoph Peters

Teeschalen, sonst nichts.

Im November 2019 besuchte ich im Museum der Urasenke-Teeschule in Kyoto eine Ausstellung, in der neben berühmten Gefäßen für die Teezeremonie auch Handschriften aus dem 17. und 18. Jahrhundert mit einfachen Zeichnungen der ausgestellten Objekte gezeigt wurden.

Da ich mich seit über zwanzig Jahren intensiv mit der japanischen Teekeramik beschäftige und bereits seit Längerem auf der Suche nach einem neuen Ansatz für die eigene zeichnerische Arbeit war, verband sich Beides schon in der Ausstellung zu der Idee, mich einigen der Teeschalen, die ich im Lauf der Zeit zusammengetragen habe, auch zeichnerisch zu nähern. Nach Monaten des Experimentierens entschied ich mich für die Technik der Punktschraffur, da sie einerseits große Präzision ermöglicht, andererseits auf alles vordergründig Individuelle verzichtet.

Zum Zeichnen stelle ich die jeweilige Schale in Augenhöhe auf ein Podest und leuchte sie möglichst gleichmäßig aus. Das Zeichnen ist sowohl ein Abtasten der Konturen und Oberflächen mit Auge und Stift als auch eine Annäherung an das Unsichtbare dahinter.

Christoph Peters wurde 1966 in Kalkar am Niederrhein geboren. Von 1988 bis 1994 studierte er Malerei an der Kunstakademie Karlsruhe bei H.E. Kalinowski und G. Neusel, zuletzt als Meisterschüler von Meuser. Anschließend arbeitete er fünf Jahre als Fluggastkontrolleur am Frankfurter Flughafen. Seit 2000 lebt er als Schriftsteller und Zeichner in Berlin.

Zuletzt veröffentlichte er die Romane „Das Jahr der Katze“ (2018) und „Dorfroman“ (2020), den Erzählband „Selfie mit Sheikh“ (2017), sowie den Essay „Diese wunderbare Bitterkeit – Leben mit Tee“ (2016). Sein Werk erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Aspekte-Literaturpreis 1999, den Friedrich-Hölderlin-Preis 2016 und den Wolfgang-Koeppen-Literaturpreis 2018.

Teile seiner Sammlung japanischer Keramik waren 2019/20 in der Ausstellung „Unter Freunden“ im Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, zu sehen.

2020 zeigte das Otto-Ubbelohde-Haus, Goßfelden, Teeschalen und Zeichnungen. Zur Ausstellung erschien der Katalog „Teeschalen, sonst nichts“.

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9. Juni bis 18. August 2021

Matias Bechtold und Maike Sander

Andere Welten

Matias Bechtold und Maike Sander zeigen im studio im HOCHHAUS eine Welt aus Pappe. Während Maike Sander sich für diese Ausstellung auf Vogelskulpturen konzentriert, erschafft Matias Bechtold Stadtlandschaften.

Die Ausstellung „Andere Welten“ gibt einen Einblick in die künstlerischen Möglichkeiten, die in dem profanen Material stecken.

Matias Bechtolds Arbeiten faszinieren, da sie sowohl durch Mega-Strukturen als auch als Modelle von ganzen Stadtlandschaften oder von riesenhaften Bauten die Imagination beflügeln. Zugleich sind sie so reich an Details, dass man sich bei ihrer Betrachtung regelrecht in ihnen verlieren und dabei vergessen kann, dass es sich um ein Modell handelt. Für diese besondere Erfahrung zwischen Vision, Illusion und Realismus spielt aber nicht nur die Einheitlichkeit des Materials, aus denen sie gefertigt sind, eine wichtige Rolle. Vor allem die konsistente Faktur seiner Bearbeitung, in der das Material fast zum Verschwinden gebracht wird, ist wesentlich. In ihrer konzeptionellen und künstlerischen Geschlossenheit bringen Bechtolds Werke in der Tat ganz eigene Welten zur Anschauung, die die Welt, in der wir leben, kritisch-ironisch kommentieren oder gezielt übersteigen.“ (Laura Mars, 2015)

Mathias Bechtold, 1955 auf Ibiza geboren, baut Modelle von Häusern und ganzen Stadtlandschaften aus Verpackungen im weitesten Sinn. Aus Kuchenverpackungen oder Sushiboxen schichtet er Wolkenkratzer mit kuriosem Innenleben, aus Pappe Städte und Inseln. Teils fiktiv oder von der Literatur angeregt, etwa von Alfred Kubin, oder ausgehend von Vorhandenem als Projektion in eine Zukunft. So sind Städte wie Köln oder Berlin mit Hochhäusern und futuristischen Verkehrswegen entstanden und ist Ibiza zu einem einzigen urbanen Geflecht zusammengewachsen.

Maike Sander setzt die Dinge in Beziehung zu den Menschen. Und siehe da – die Dinge sind belebter, als wir dachten. Der Staubsauger, asthmatisch, verdient sich sein Gnadenbrot, egal, ob er noch saugt oder nicht. Der Fisch: ein Lebewesen, nicht nur eine leckere Auslage im Fischgeschäft. Der Affe: dito – und? Sieht er nicht ein bisschen aus wie Onkel Herbert? So werden eben auch Stühle zu etwas wie Verwandten, Bruder und Schwester. Man muss sich nicht unbedingt lieben um miteinander verwandt zu sein, das kommt in den besten Familien vor. Diese Stühle werden nur noch selten gerückt, sie bewegen sich in sich selbst und ächzen unter der Last des Menschen.

(…) Das von Sander verwendete Material Papier, Karton und Algen ist per se ephemer. Man kann die Stühle und Sessel nicht besitzen, sie sind deutlich charakterisiert als künstlerische Artefakte ohne Gebrauchswert. Dafür vermitteln sie eine Idee des vergänglichen Seins, des jeweiligen Individuums, das einmalig und unwiederholbar ist.

(…) Vielleicht ist das das Wesen der Dinge wie der Menschen: das Altern, das stetige Verändern. Maike Sanders Plastiken schärfen aufs Neue den Blick für Ding und Mensch, vermitteln auf subtile Art und Weise einen Respekt, der uns aufmerksam macht für eine mögliche neue Nachhaltigkeit, die nicht nur unsere Beziehung zu den Dingen sondern auch zu den anderen Menschen betrifft.“ (Martin Stather)

Maike Sander, 1965 in Lüneburg geboren, beschäftigt sich schon lange mit diesem Material in ihrer bildhauerischen Arbeit. Neben Tieren, die sie meist in Originalgrößen erschafft und zum Teil mit anderen Materialien, wie etwa Algen, zum Leben erweckt, sind es auch Alltagsgegenstände, die als Vorlagen dienen. So hat sie gesamte Einrichtungen, vom Stuhl übers Bett bis hin zum Bademantel, aus Pappe geschaffen. Die offensichtliche Fragilität schafft eine spezielle Atmosphäre, die einer Musealität vergleichbar wäre, diese aber auch gleich wieder bricht.

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Annette Kisling, Jens Franke
Leonard Wertgen

Ausstellung vom 19. Januar bis 2. Juni 2021

Doshi Doshi Doshi

Der 1927 geborene Architekt Balkrishna Doshi hat die indische Stadt Ahmedabad mit seinem baulichen Werk und seinem gesellschaftlichen Engagement entscheidend geprägt. Neben seiner Tätigkeit als Architekt ist er Städteplaner, Professor, Theoretiker und Gründer der Architekturfakultät der CEPT Universität in Ahmedabad.

Seit 2009 untersuchen Leonard Wertgen und Jens Franke (in Zusammenarbeit mit Niklas Fanelsa, Marius Helten und Björn Martenson) mit ihrer sich fortsetzenden Recherche die Stadt Ahmedabad. Ihr Interesse ist es, die gebaute Umwelt der Stadt in ihrer Vielfalt und ihren Widersprüchen zu verstehen und die Parallelität räumlicher Konzepte, die immer auch soziale, politische und historische Momente einbeziehen, wahrnehmbar zu machen. 2016 hatten sie die Möglichkeit mit Balkrishna Doshi über seine Arbeit und die Stadt Ahmedabad zu sprechen. Dieses Gespräch bildet den Ausgangspunkt der Ausstellung „Doshi Doshi Doshi“. Zusätzlich werden als weiterer Teil des Forschungsprojektes Filmaufnahmen und Fotografien folgender Gebäude aus Ahmedabad von Balkrishna Doshi gezeigt: Institute of Indology (1962), Central Bank of India (1967), Premabhai Hall (1972), LIC Housing (1976) und Sangath (1981).

Die fotografische Arbeit von Annette Kisling widmet sich einem sehr bekannten Bauwerk von Balkrishna Doshi, dem Indian Institute of Management in Bangalore (1963 bis 1983). Im Winter 2014 hatte sie die Gelegenheit, den Campus des Institute of Management über den Zeitraum von zwei Wochen bei Tag und bei Nacht zu durchqueren und zu fotografieren. Der Ort ist so konzipiert, dass Innen- und Außenräume miteinander korrespondieren, ineinander übergehen. Für die Ausstellung wurden vor allem Fotografien ausgewählt, die Einblicke genau in diese Zwischenbereiche gewähren, zusätzlich in einige Innenräume, beispielsweise die Bibliothek des Institutes.

Am 15. März erschien in der taz eine Besprechung zur Ausstellung.

Alle Videos: Uwe Jonas, Bilder: Thomas Bruns

Raum 1

In diesem Video wird der erste Raum der Ausstellung, aber auch das gesamte Konzept von den Künstler*innen erklärt.

Raum 2

Architekturraum